Bienal de Sydney: Além do mero espetáculo

Há um trabalho simples e tranquilo do artista belga Michaël Borremans chamado “O Pão” (2012) este ano na Bienal de Sydney. Ele lembra obras de retratos flamengos do século XV, próximos e íntimos, mas também é um quadro moderno. É a parte superior do corpo de uma menina, vestida com um top azul, as mãos na frente, o olhar para baixo. Eu tinha certeza de que estava olhando para uma foto de uma pintura. Em uma inspeção mais próxima, parecia não ser uma pessoa real, talvez um modelo… E então a garota piscou.

Pão de Michaël Borremans

Pode algo ser duas ou mais coisas ao mesmo tempo? Essa é a questão curatorial que une a seleção de arte para “Superposição: Equilíbrio & Engajamento”, a 21ª Bienal de Sydney.

Com curadoria de Mami Kataoka e com cerca de 70 artistas e coletivos de 35 países, cujo trabalho está distribuído em sete locais, a BoS21 oferece aos visitantes alguns espetáculos, algumas obras imersivas e muitas oportunidades de reflexão silenciosa.

Essa questão que une a BoS21, seu tema ostensivo, foi levantada da física quântica, uma teoria que argumenta “que todo estado quântico pode ser representado como uma soma de dois ou mais outros estados distintos” ( graças à Wikipedia ). Se você já ouviu falar do gato de Schrödinger – um experimento mental em que um gato em uma caixa poderia estar igualmente vivo ou morto – então você está a meio caminho para entender o pensamento de Kataoka.

A outra metade da ideia é mais elusiva. Usando uma teoria da física quântica como uma metáfora para pensar sobre as conexões históricas e culturais entre a arte, seria normalmente uma placa cheia, mas Kataoka também acrescenta conceitos do taoísmo. Isso eu não entendo completamente como minha compreensão das religiões orientais é limitada, mas me disseram que as duas coisas, ciência e filosofia religiosa, podem ser reconciliadas. De qualquer forma, parece que essas coisas são duas coisas que podem ser outras coisas também, então estamos seguindo.

Uma tendência recente das bienais é a inclusão de trabalhos de artistas mortos ou mortos recentemente nas coleções de locais de exposição, e a BoS21 fez um esforço para criar um diálogo entre artistas e seu trabalho, passado e presente. Na Galeria de Arte de Nova Gales do Sul , o trabalho do modernista australiano Roy de Maistre é mostrado ao lado do trabalho do abstracionista contemporâneo holandês Riet Winjen. Perto dali, uma abstração geométrica do final dos anos 60 do pintor australiano Syd Ball é justaposta com um vídeo em duas telas da dupla britânica Semiconductor.

Uma aposta curatorial como essa corre o risco de parecer óbvia demais, mas, para o crédito de Kataoka, a união dessas peças no tempo e no espaço funciona de maneira brilhante. A grade de cores do trabalho mural de Maistre reflete-se no padrão das “pinturas” esculturais de Wijen e a justaposição de Black Reveal (1968-1969) – uma pintura que brinca com a percepção do espaço do espectador – com a visualização de dados de Semiconductor em deslumbrantes gráficos e realidade aumentada – conecta idéias e abordagens além de simples semelhanças visuais superficiais.

O que não quer dizer que alguns trabalhos na BoS21 não cumpram o resumo de uma maneira óbvia. “Situações silenciadas” de Samson Young # 22: Muted Tchaikovsky’s Fifth (2018) é um trabalho de vídeo maravilhosamente produzido com som de 12 canais no qual uma orquestra toca a famosa peça, exceto que os músicos silenciam seus instrumentos. O que resta é um show teatral ao som de farfalhar de arcos, cordas umedecidas, roupas em movimento. É uma ideia simples e, no contexto da Bienal, funciona quase como uma ilustração do tema. Óbvio, talvez, mas cativante.

No Museu de Arte Contemporânea , o “Through the West” (2013), do artista dinamarquês Jacob Kirkegaard, oferece outro tipo de teatralidade na forma de uma réplica iluminada do muro da Barreira da Cisjordânia israelense. Viajando para Palestina e Israel, Kirkegaard gravou o som da parede usando sensores de vibração e microfones acústicos. O efeito é um ruído reverberante estranho que em momentos soa como uma gravação de rua, em outros como se seu ouvido estivesse pressionado contra o concreto. Como ouvinte – e espectador – você está no local, e não, a realidade altamente sugestiva do som contra a réplica esquemática no espaço da galeria.

Na Ilha da Cacatua, outro tipo de arte política está em exibição. A “Lei da Jornada” de Ai Weiwei (2018) é uma gigantesca escultura que preenche todo espaço, uma jangada comprida e superdimensionada repleta de enormes corpos de adultos e crianças, tudo montada em uma base de madeira com citações que atestam a importância de uma política humanitária de refugiados. Como uma obra de arte, é tão direto quanto um golpe de martelo, um meme do Instagram que vai viajar pelo mundo com a mensagem de Ai.

Em um momento em um documentário de Ai Weiwei caminhando melancolicamente em um parque em Berlim, diz que também ele é um refugiado, exilado da China e, sem saber a língua alemã, está à deriva. Foi um momento em que os dois Ai se juntaram: o artista ativista sincero com uma causa nobre, e o monstro do ego visto de perto no documentário Never Sorry. Pode um artista rico e bem-sucedido, com sua própria fábrica de arte, ser também um militante de princípios pelos direitos humanos? Aparentemente sim.

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