Os 10 melhores pavilhões da Bienal de Veneza. Brasil está na lista.

Por Cassey Lesser
A melhor maneira de tomar o pulso da arte contemporânea em todo o mundo pode ser visitando os pavilhões nacionais da Bienal de Veneza. Representando uma “pluralidade de vozes”, como disse o presidente da Bienal, Paolo Baratta, em uma coletiva de imprensa na abertura do evento, esses espaços são um terreno fértil para os artistas abordarem o estado atual de seus países e do mundo em geral. E na 58ª Bienal de Veneza deste ano, os artistas estão enviando mensagens convincentes para seus governos, incentivando a comunidade e contando novas histórias que constroem empatia. 
Aqui, compartilhamos os 10 pavilhões mais dinâmicos e cativantes das áreas Arsenale e Giardini.

Austrália

Angelica Mesiti, “Assembly”

Com curadoria de Juliana Engberg

Giardini

Vista da instalação de Angelica Mesiti, “Assembly”, para o Pavilhão da Austrália na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto © Josh Raymond.  Cortesia do artista e Galeria Anna Schwartz, Austrália e Galerie Allen, Paris.

Vista da instalação de Angelica Mesiti, “Assembly”, para o Pavilhão da Austrália na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto © Josh Raymond. Cortesia do artista e Galeria Anna Schwartz, Austrália e Galerie Allen, Paris.

Angelica Mesiti queria transformar o pavilhão australiano em um local de democracia e comunidade. Seu filme de três canais toca em torno de um mini anfiteatro com tapete vermelho, onde os visitantes podem sentar-se lado a lado e apreciar o trabalho cativante. O filme usa a música para abordar o estado agitado das democracias globalmente – particularmente a cacofonia de vozes e pontos de vista conflitantes. Filmado nas sofisticadas câmaras do Senado na Itália e na Austrália, a peça estimula a compreensão e a harmonia, ao se tornar sintonizado com as formas como nos comunicamos.
Angelica Mesiti, “Assembléia”
O ponto de partida da peça é um dispositivo usado por estenógrafos conhecido como a máquina Michela. Mesiti traduziu um poema de David Malouf usando o dispositivo e, em seguida, teve a linguagem codificada resultante transformada em música pelo compositor Max Lyandvert. Vemos artistas no filme tocarem essa peça, incluindo uma equipe de músicos batendo vigorosamente em bumbos iluminados. Uma séria protagonista feminina do filme é vista fazendo sinais deliberados de mão. Os gestos significam conceitos como desaprovação, silêncio e oposição, e foram usados ​​em um protesto em Nuit de 2017 em Paris contra a controversa legislação trabalhista El Khomri.

Polônia

Roman Stańczak, “Flight”

Curadoria de Łukasz Mojsak e Łukasz Ronduda

Giardini

Vista da instalação de Roman Stańczak, “Flight”, para o Pavilhão da Polônia na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Zachęta.  Cortesia da Galeria Nacional de Arte / Weronika Wysocka.

Vista da instalação de Roman Stańczak, “Flight”, para o Pavilhão da Polônia na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Zachęta. Cortesia da Galeria Nacional de Arte / Weronika Wysocka.

Para a Bienal, Roman Stańczak cortou um avião ao meio e reconstruiu-o de dentro para fora. Estacionado preguiçosamente em seu hangar – também conhecido como o pavilhão polonês – a aeronave de tamanho médio é uma mistura incrível de fios, correias, janelas e placas de metal, mas ainda se parece vagamente com a a peça original. O artista desconstrói objetos para criar algo novo, como forma de encontrar significado e como exercício espiritual para chegar a um acordo com a morte. Ele considera isso um meio de buscar esperança – ensinar aos outros novas maneiras de ver.

Roman Stańczak, "Voo"
A peça fala especificamente sobre conflitos na sociedade polonesa, particularmente seu regime capitalista. Ao desmontar um avião particular – um símbolo dos ultra ricos – o artista faz uma crítica cortante do regime capitalista da Polônia. Mas, em um nível universal, fala de instâncias globais de desigualdade econômica e social. Em última análise, o feito complexo de Stańczak nos dá uma razão para repensar os espaços que habitamos e as realidades que seguimos.

Estados Unidos

Martin Puryear, “Liberty / Libertá”

Com curadoria de Brooke Kamin Rapaport

Giardini

Vista da instalação de Martin Puryear, “Liberty / Libertá”, para o Pavilhão dos Estados Unidos na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Zachęta.  Foto de Joshua White.  Cortesia de Madison Square Park Conservancy.

Vista da instalação de Martin Puryear, “Liberty / Libertá”, para o Pavilhão dos Estados Unidos na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Zachęta. Foto de Joshua White. Cortesia de Madison Square Park Conservancy.

Antes mesmo de você pisar no pavilhão americano, fica claro que Martin Puryear está fazendo uma declaração. O pavilhão no Giardini foi construído em 1930 e modelado segundo o Neoclássico Monticello de Thomas Jefferson. Mas você não será capaz de dizer este ano, porque Puryear fechou em seu pátio e obscureceu a fachada com uma tela de madeira iminente, Swallowed Sun (Monstrance e Volute) (2019). A casa do escravo Jefferson era uma plantação ativa. “O pavilhão se torna profundamente simbólico, então, para esta exposição, para o artista que expõe suas contradições inerentes”, explicou o curador Brooke Kamin Rapaport em uma coletiva de imprensa.

Martin Puryear, “Liberdade / Libertá”
O título Swallowed Sun (Monstrance e Volute) “refere-se à escuridão de um eclipse solar ou ao desespero de um apagão conceitual quando os valores estão em risco”, acrescentou Rapaport. As perfurações do trabalho permitem que o visitante “perscrute a barreira e entre no passado histórico”. A visão clara do artista se estende até o pavilhão, onde novos trabalhos se misturam com suas formas de assinatura, incluindo o gorro frígio. Um destaque é uma nova escultura, uma coluna para Sally Hemings (2019), na rotunda: uma manilha de ferro fundida e dirigida para uma coluna branca imaculada que presta homenagem à mulher titular, uma escrava afro-americana que trabalhava para Jefferson e tinha filhos com ele. “Martin Puryear é movido com urgência para comunicar os conflitos profundos da sociedade e a impressionante marcha do tempo”, observou Rapaport.

Brasil

Bárbara Wagner e Benjamin de Burca, “Swinguerra”

Com curadoria de Gabriel Pérez-Barreiro

Giardini

Vista da instalação de Bárbara Wagner e Benjamin de Burca, “Swinguerra”, para o Pavilhão da França na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Riccardo Tosetto.  Cortesia da Fundação Bienal de São Paulo.

Vista da instalação de Bárbara Wagner e Benjamin de Burca, “Swinguerra”, para o Pavilhão da França na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Riccardo Tosetto. Cortesia da Fundação Bienal de São Paulo.

O filme de duas telas é um documentário cinematográfico que capta o pouco conhecido fenômeno da dança do gênero musical swingueira. Na cidade brasileira de Recife, grupos de brasileiros jovens e negros, muitos deles não-binários, formam grupos de 50 a 100 dançarinos. Eles ensaiam coreografias várias vezes por semana, o ano todo, para participar de competições. O filme, Swinguerra, é intitulado para incluir a palavra portuguesa para guerra, guerra, que reflete os conflitos no coração dessas competições e a vida dos dançarinos. A peça mostra sua incrível dedicação, capacidade atlética e sincronicidade enquanto ensaiam e encenam performances elaboradas. Sua paixão e energia é contagiante, mas é também uma expressão da opressão que eles experimentam. Wagner e de Burca trabalham na peça desde 2015, em colaboração com três grupos de dança.
Bárbara Wagner e Benjamin de Burca, “Swinguerra”
Os artistas participaram de tudo, de coreografia a figurinos até a sequência de tomadas e locações de filmes. O curador Gabriel Pérez-Barreiro observou que essa abordagem está em contraste com o tato antropológico que os artistas há tempos usam para abordar os povos marginalizados. “Esse processo colaborativo parece original, interessante e apropriado para os tempos em que estamos”, disse ele.
Wagner explicou que os dançarinos fazem parte de uma grande população negra em Recife que é “completamente invisível no mundo da arte”. Ela acrescentou: “Para nós, não precisamos falar sobre poder, resistência, trabalho, raça e gênero no mundo, não precisamos de muito mais do que apenas permitir que a colaboração aconteça. É um gesto simples, mas é tudo ”.

Gana

Felicia Abban, John Akomfrah, El Anatsui, Lynette Yiadom-Boakye, Ibrahim Mahama e Selasi Awusi Sosu, “Ghana Freedom”

Curadoria de Nana Oforiatta Ayim

Arsenale

Vista da instalação do Pavilhão de Gana, “Ghana Freedom”, com Felicia Abban, Untitled (Retratos e Auto-Retratos), c.  1960–70, na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de David Levene.  Cortesia do artista.

Vista da instalação do Pavilhão de Gana, “Ghana Freedom”, com Felicia Abban, Untitled (Retratos e Auto-Retratos), c. 1960–70 , na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de David Levene. Cortesia do artista.

O primeiro pavilhão nacional de Gana na Bienal de Veneza é um tributo triunfante às profundas raízes culturais do país, através de seis de seus amados artistas. Gana ganhou a independência em 1957 sob o presidente Kwame Nkrumah, um grande defensor das artes, explicou a curadora Nana Oforiatta Ayim na pré-estréia da imprensa. O título vem de uma canção de ET Mensah, um artista que Nkrumah apoiou, “que fala da liberdade que Gana ganhou na época”, Ayim disse, “e esta exposição explora como essa liberdade se manifestou e como ela evoluiu em diferentes formas e padrões ao longo do tempo.”

Pavilhão de Gana, “Liberdade de Gana”
O arquiteto David Adjaye, que projetou o espaço – uma série de galerias elípticas interligadas – descreveu os esforços dos artistas como “hercúleo”. E isso é visível. A primeira galeria é encoberta em novas tapeçarias por El Anatsui. As salas seguintes têm filmes de três canais de John Akomfrah e Selasi Awusi Sosu, respectivamente. Uma galeria completa é dedicada aos auto-retratos magnéticos e imagens de estúdio da fotógrafa pioneira Felicia Abban – amplamente considerada a primeira fotógrafa profissional do país. Há também uma vitrine de pinturas de Lynette Yiadom-Boakye que, Ayim explicou, cria trabalho para “normalizar o corpo negro, em um cânone global que historicamente o excluiu”.
E o espaço final contempla uma instalação gigantesca de Ibrahim Mahama Uma linha reta através da Carcaça da História 1649 (2016-19). A estrutura de madeira e malha, tipo gabinete, inclui peixe defumado, acrescentando uma fragrância distinta ao espaço, bem como uma ligação visual à delicadeza Ghanain. O pavilhão é dedicado ao seu conselheiro estratégico, o curador Okwui Enwezor. Depois da Bienal, o pavilhão viajará para Gana para apoiar os esforços de turismo doméstico.

França

Laure Prouvost, “Deep See Blue Surrounding You / Vois Ce Bleu Profond Te Fondre”

Com curadoria de Martha Kirszenbaum

Giardini

Vista da instalação de Laure Prouvost, “Deep See Blue Surrounding You / Vois Ce Bleu Profond Te Fondre”, para o Pavilhão da França na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Cortesia do Institut français.

Vista da instalação de Laure Prouvost, “Deep See Blue Surrounding You / Vois Ce Bleu Profond Te Fondre”, para o Pavilhão da França na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Cortesia do Institut français.

O ganhador do prêmio Turner Laure Prouvost nos leva a uma viagem eufórica a Veneza em seu pavilhão francês. Entrando por uma porta dos fundos, você se depara com um porão cheio de entulho, supostamente o início dos planos dos artistas de cavar um buraco entre os pavilhões franceses e britânicos. No andar de cima, um quarto branco brilhante com um piso claro azul-marinho está repleto de estranhas naturezas-mortas feitas de telefones celulares, galhos, cascas de ovos, esculturas de vidro de criaturas marinhas e até mesmo pombas reais. Passe pelas suaves cortinas cinzas para encontrar o evento principal – um filme envolvente e cheio de fluxo de consciência. A peça desenrola a expedição fictícia de uma equipe eclética de diferentes idades e origens, enquanto viajam de Paris a Veneza.

Laure Prouvost, “Deep See Blue Envolvendo Você / Vois Ce Bleu Profond Te Fondre”
O roteiro de Prouvost é, em si, uma verdadeira obra de arte, brincando com linguagem e tradução, à medida que ela rapidamente salta entre inglês e francês, com traços de italiano, árabe e holandês. Ela apimenta frases engraçadas, como “A maioria das cebolas será elétrica. Você será o WiFi ”, e envia os protagonistas para tangentes que parecem ser, às vezes, simbólicos ou sem sentido. Vinhetas marcantes incluem uma figueira exuberante beijando um seio nu; um jovem pulando do teto do pavilhão e se tornando uma gaivota; e um polvo rosa. Prouvost é atraída para o molusco pela maneira como transporta células cerebrais em seus tentáculos. Ela também trabalhou em seu tema mais conhecido, o peito, na forma de vidro veneziano. Embora completamente confuso às vezes, o filme é inegavelmente alegre, visualmente deslumbrante e calmante – uma lembrança gloriosa do poder transformador da arte.

 

Índia

Nandalal Bose, MF Husain, Atul Dodiya, Jitish Kallat, Ashim Purkayastha, Shakuntala Kulkarni, Rummana Hussain e GR Iranna, “

Our Time for a Future Caring”

Com curadoria de Roobina KarodeArsenale

Vista da instalação do Pavilhão da Índia, “Nosso Tempo para um Futuro Cuidar”, com GR Iranna, Naavu (Nós Juntos), 2012, na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Cortesia do artista.

Vista da instalação do Pavilhão da Índia, “Our Time for a Future Caring”, com GR Iranna, Naavu (Nós Juntos) , 2012, na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Cortesia do artista.

Em sua segunda exibição na Bienal, a Índia está honrando o 150º aniversário do nascimento de Mahatma Gandhi. Em vez de mostrar representações literais do célebre líder e ativista, no entanto, o curador Roobina Karode, diretor e curador-chefe do Museu de Arte de Kiran Nadar, escolheu oito artistas que canalizam a influência atemporal de Gandhi. Esculturas, instalações, pintura e vídeo evocam protestos pacíficos, resistência passiva e respeito ao meio ambiente.

Pavilhão da Índia, “Nosso tempo para o futuro”
A joia da coroa do pavilhão é uma instalação, Covering Letter (2012), do artista baseado em Mumbai , Jitish Kallat. Entre no teatro escuro, e você encontrará um fluxo brilhante de névoa e uma projeção de palavras fluindo através dele. Olhe com cuidado, e você verá que é uma carta, escrita cinco semanas antes do início da Segunda Guerra Mundial, de Gandhi a Adolf Hitler. Você pode passar pelo pedido de paz de Gandhi, no qual ele se dirige a Hitler: “Caro amigo”. “Você realmente se encontra naquele longo corredor de possibilidades humanas, uma carta indo de um dos mais conhecidos proponentes da paz a um dos os mais brutais perpetradores da violência, coabitando o planeta no mesmo momento ”, explicou Kallat. “E eu acho que isso se torna um espaço para auto-reflexão de algumas maneiras.”

Suíça

Pauline Boudry e Renate Lorenz, “Moving Backwards”

Com curadoria de Charlotte Laubard

Giardini

Vista da instalação de Pauline Boudry e Renate Lorenz, “Moving Backwards”, para o Pavilhão da Suíça na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Pro Helvetia / KEYSTONE / Gaëtan Bally.  Cortesia dos artistas.

Vista da instalação de Pauline Boudry e Renate Lorenz, “Moving Backwards”, para o Pavilhão da Suíça na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Pro Helvetia / KEYSTONE / Gaëtan Bally. Cortesia dos artistas.

O duo de artistas Pauline Boudry e Renate Lorenz escreveram uma carta em negrito, dando as boas-vindas aos visitantes em seu pavilhão suíço e rejeitando seu governo. A primeira linha diz: “Não nos sentimos representados por nossos governos e não concordamos com as decisões tomadas em nosso nome”. Eles expressam sua preocupação com as nações européias que estão construindo muros e recusando refugiados; discurso de ódio desenfreado; e um declínio no uso de linguagem neutra de gênero e poliamor. Eles propõem uma receita para o estado contemporâneo do mundo: “Vamos coletivamente retroceder”.

Pauline Boudry e Renate Lorenz, "Mover-se para Trás"
Esta declaração de resistência ganha vida em seu pavilhão, aproveitando a dança contemporânea e a cultura underground queer. Em uma videoinstalação, cinco dançarinos de origens distintas seguem coreografias desenvoltas e movimentos de hip-hop, progressivamente se tornando mais expressivos com a batida da música. Alguns cortes mostram os dançarinos se movendo ao contrário, a ponto de o espectador ficar se perguntando qual caminho está à frente – uma questão pungente para o momento presente. No final, alguns membros da audiência podem ter dificuldade em não dançar. E esse espírito continua na sala ao lado, um “clube abstrato” que você entra por trás do bar. Lá, os artistas oferecem jornais criados por eles, cheios de cartas de colegas artistas, acadêmicos, ativistas e filósofos, propondo seus próprios pensamentos sobre o retrocesso.

Filipinas

Mark Justiniani, “Island Weather”

Com curadoria de Tessa Maria Guazon

Arsenale

Vista da instalação de Mark Justiniani, “Island Weather”, para o Pavilhão das Filipinas na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Italo Rondinella.  Cortesia de La Biennale di Venezia.

Vista da instalação de Mark Justiniani, “Island Weather”, para o Pavilhão das Filipinas na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Italo Rondinella. Cortesia de La Biennale di Venezia.

Entre no pavilhão filipino, retire os sapatos e suba nas obras de arte – ilhas elegantes cheias de espelhos que criam um efeito infinito. Olhe para baixo e você encontrará um abismo sem fim, pontuado por objetos específicos do arquipélago, que vão de plantas e especiarias a uma pilha de documentos. O artista Mark Justiniani reflete sobre as milhares de ilhas que compõem as Filipinas, contemplando as massas de terra relacionadas à história colonial, ao meio ambiente e às questões sociais da nação. Uma das ilhas, com uma escada que leva a um poleiro no topo, pretende referenciar a formação de um tufão ou um ciclone. É também um aceno para o fato de que o primeiro observatório no Extremo Oriente foi estabelecido nas Filipinas.

Mark Justiniani, "Island Weather"
“Nós chamamos isso de Island Weather porque o tempo não é apenas clima atmosférico, é sobre o estado do mundo, como situações podem ser instáveis ​​e como somos vulneráveis”, disse a curadora Tessa Maria Guazon. Ao permitir que os espectadores experimentassem o trabalho caminhando sobre ele, Justiniani aproveitou “uma espécie de visão”, acrescentou Guazon, que enfatiza “como as aparências são enganosas”.

Kosovo

Alban Muja, “Family Album”

Com curadoria de Vincent Honoré

Arsenale

Vista da instalação de Alban Muja, “Family Album”, para o Pavilhão de Kosovo na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Italo Rondinella.  Cortesia de La Biennale di Venezia.

Vista da instalação de Alban Muja, “Family Album”, para o Pavilhão de Kosovo na 58ª Bienal de Veneza, 2019. Foto de Italo Rondinella. Cortesia de La Biennale di Venezia.

Durante a Guerra do Kosovo, em 1998-99, fotografias de crianças refugiadas se tornaram a face do conflito, à medida que suas semelhanças eram impressas em jornais de todo o mundo. Vinte anos depois, o artista Alban Muja – que era ele mesmo uma criança refugiada durante a guerra – rastreou as crianças apresentadas em algumas dessas imagens famosas e capturou suas histórias. No pavilhão de Kosovo, ele mostra três vídeos emocionantes e emocionais que destacam esses assuntos, agora adultos. Eles lembram as circunstâncias de suas fotografias e refletem sobre a influência que as imagens tiveram na mídia – e na compreensão geral da guerra.
Alban Muja, “Álbum da Família”
Uma jovem mulher, Besa, foi fotografada em uma foto enquanto sua mãe a amamentava. Com base nas lembranças de seus pais, ela descreve como sua mãe a protegeu, até mesmo aquecendo-a em um forno quando temia que seu bebê tivesse morrido de frio. Agim, de 21 anos, conta a história de sua foto, tirada aos 16 meses de idade e passada por cima de uma cerca de arame farpado. Os vídeos apresentados não são apenas relatos em movimento de uma crise anterior, eles também ressoam com as narrativas contemporâneas de refugiados em todo o mundo. “Hoje, quando vejo notícias sobre refugiados em todo o mundo, fico arrepiado”, Agim lembrou, “porque sei que, em 1999, minha família também experimentou o que os refugiados de hoje em todo o mundo estão passando”.
Fonte: Artsy
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